Carhartt WIP Taiwan

2025-12-09

Artist Feature: Pinch / Tectonic

「投入你身邊的社群，並且享受你選擇踏上的每一段旅程，」來自布里斯托，以 Pinch 之名，為人所知的製作人、DJ 與廠牌主理人 Rob Ellis 說道。「不然做這一切也就沒有意義了。」這句話也正是 Ellis 自身職涯，以及他所創立、並在今年迎來 20 週年的廠牌 Tectonic 能長久維持影響力的核心精神。Tectonic 創立於 2005 年，是當時少數真正推動 dubstep 的廠牌之一；其背後靈感來自 Ellis 多次前往倫敦、現已停辦的 FWD>> 之夜——那裡是孕育地底 UK bass 音樂的重要據點，曾經邀請 Mala、Kode9、Benga、Coki、Ramadanman 等人登場。至於把 Tectonic 設於布里斯托，Pinch 自 90 年代末便一直居住的地方，也絕非巧合。這座城市以創意社群與音樂文化著稱，並深深扎根於雷鬼、trip-hop、jungle 等風格之中。 Tectonic 的第一張發行作品，是由 Pinch 與製作人 P Dutty 合作、以他自己名義推出的 12 吋黑膠〈Alien Tongue / War Dub〉。之後，Pinch 於 2007 年透過本廠牌發行個人首張專輯《Underwater Dancehall》，並在 2020 年推出《Reality Tunnels》。同時間，Tectonic 也陸續發行了多位音樂人的作品，包括 Peverlist、Loefah、Skream、Photek、Shed、Mumdance & Logos 等等。隨著時間推進，Tectonic 的聲音也從早期的 dubstep 核心一路延伸出更邊緣的方向，從 breakcore、bass、一路到前衛科技舞曲等風格。為了替今年畫下句點，Pinch 為本月的節目打造了一支 mix，以廠牌的音樂年表為線索，將過往曲目與當代作品交織呈現，其中包含 Joker、Roska、2562、Fjaak、Beatrice M. 等人的音樂，並穿插數個特別 mash-up。照慣例，混音也搭配了一篇訪談，Ellis 在其中回顧合作帶來的創意推動力、dubstep 中更具冥想性的聲音再度受到關注的原因，以及經營地下廠牌二十年所得到的種種學習。你的聲音橫跨 dubstep、dub、techno、世界音樂、雷鬼到實驗電子，一直很難被歸類。若要總結一個能把你所有製作連結起來的核心理念，你會怎麼形容？Pinch：我一直以「做出自己想聽的音樂」為首要目標，這始終是我創作的核心。我也希望每首曲子都能讓我「感覺」到些什麼。我喜歡在節奏感明確的基底上，加入電影般的深度與空間感。布里斯托的聲音與社群對你來說意義重大。這座城市的創意場景是如何影響你、塑造你的藝術發展？Pinch：雖然我不是在布里斯托出生的，但這是我唯一真正覺得這裡就是家的地方，我從 1998 年就一直住在這裡。布里斯托有許多相互重疊的音樂社群，這是一座非常具有創造力的城市，因此總有源源不絕的靈感。而且布里斯托不算大，你更有機會認識這裡的音樂人。在這裡，你在某些小酒吧裡聽到的音響設備與 DJ，都勝過英國其他許多城市的夜店。我覺得這道出了很多事情。你與 Adrian Sherwood、Shackleton 等人的合作獲得高度好評。合作的過程對你來說最吸引、最有創造力的部分是什麼？Pinch：我一直很享受與他人合作，因為它能幫助我更專注，並且讓我找到與對方的共通聲響，那個你們的興趣交會的空間。像與 Adrian 合作，就是能一起衝向類比 dub 的極限，那種我非常喜愛、但自己一個人無法做到的事。而我帶來的節奏與 bass 製作視角，也是他無法單獨完成的。我們的音樂品味雖然不同，但有很多重疊的部分。正因如此，我們能一起挖掘出一個彼此都喜歡的聲響世界，然後讓它真正生長、成形，再以更多作品去擴建它。我很享受這樣的過程。 Pinch & Lorem live at Lunchmeat 2024（照片：Jakub Dolezal）Tectonic 今年迎來成立 20 週年。回顧這個里程碑，對你而言，經營這個廠牌最有收穫的部分是什麼？最大挑戰又是什麼？Pinch：能抽出時間專注在 20 週年這件事，讓我終於有機會好好回顧一路以來發生的所有事情，而這其實是我一直需要做的。平常總是在不停循環：推出作品、準備下一張、上一張還在宣傳，根本沒有太多時間回頭看。我很享受重新翻找過往的曲目，把那些多年沒放的歌重新放進 DJ set 裡，但我也覺得它們和現在的曲目放在一起依然非常自然，即便它們之間可能相差了十年。Tectonic 很像一個家族事業：我的太太 Lizzy 是讓一切順利運作的重要支柱。我真的非常感謝她，感謝這些年她投入在 Tectonic 的所有時間與心力。我為我們能一起把事情運作好感到驕傲，也為她能讓所有流程穩定前進而感到自豪。而這類從熱情出發的事，像是最大的挑戰，經營一個地下廠牌，也許就是要如何讓這份熱情以健康的方式持續下去，找到滋養它的方法。看到大家對 Tectonic 20 週年的回應，以及這個廠牌對他們的意義，讓我非常鼓舞，也確實讓這份熱情得以繼續延伸。 Tectonic 在記錄 dubstep 發展脈絡上一直扮演重要角色。這次六張黑膠的週年選輯，你是如何挑選與策劃的？Pinch：我想把廠牌歷史中的重要人物和那些我覺得在聲響上與 Tectonic 有深刻連結、但從未在廠牌發行過作品的製作人聚集在一起。可以說是不同世代的交匯吧！我通常會選擇與我有直接連結、曾經見過面或很尊敬的藝術家，那些我真心相信其作品價值的人。視覺風格對於 Tectonic 的理念來說有多重要？背後的創意流程是什麼？Pinch：視覺一直都很重要，它是讓人第一眼就能感受到作品聲音氣質或理念的方式。從 2013 年開始，Tectonic 的視覺幾乎都是由 Alex Digard（又名 Tape Echo）負責。我一直很喜歡他的風格、對細節和質地的敏感度，我們彼此溝通也很好。我完全信任他。我們看到更深沉、更具冥想性的 dubstep 再度受到關注。你認為這種聲音為什麼會再次引起新世代聽眾與製作人的共鳴？Pinch：看到這樣的變化真的很棒，也讓我深受激勵。我一直覺得，更深層、較接近早期 UK dubstep 的聲音本來就帶有一種非常有趣、非常吸引人的能量。但當年 dubstep 在全球爆紅時，人們並沒有把這一面的聲音與 “dubstep” 這個名字聯想在一起。它完全被邊緣化了，取而代之的是更巨大、更張揚、更偏 EDM 的聲音，變成世界各地一提到 dubstep 就會想到的主流樣貌。後來那股聲音逐漸退燒，也讓更深層、更貼近 dubstep 初衷的風格重新有了空間浮現。 Tectonic 一直以「少即是多」的方式在安排發行節奏。在這個數位內容爆量的時代，為什麼這種精挑細選、重質不重量的理念比以往更重要？Pinch：現在釋出的音樂真的多到一個令人難以招架的程度。唱片廠牌有責任成為好的過濩者，用作品去傳遞清楚、有力的訊息，而不是把東西大量丟到外面，看能不能碰巧被注意到。我們的營運能量本來就有限，這一點部分也促使我們要確保每一張發行，都真正值得被推出。在當代，藝術家幾乎必須依賴社群媒體。你怎麼看待這件事？你覺得它是一個有價值的連結工具、必要之惡，還是別的什麼？Pinch：大家都知道我不是社群媒體的粉絲。我覺得這些大公司運作平台的方式，正成為許多社會問題的催化劑。我盡量少接觸社群媒體，主要是把它當成傳遞我計畫、廠牌消息和演出日期給真正想知道的人的一個管道。其他用途我幾乎不碰。它有點像加工的含糖食品：它不會給你真正需要的養分，卻會欺騙你的大腦讓你不停想要再來一點。我們在音樂創作中已經開始看到 AI 的使用。對於一位重視聲響實驗與人為策展的你來說，你如何看待 AI 在電子音樂未來中的角色？Pinch：我覺得一切取決於你怎麼使用它。如果你只是下個指令讓 AI 做出一首曲子，然後還想把那個成品的創意當成是自己的，那就有點妄想，也有點可悲。但如果你用 AI 來創造新的聲音，再由你去調整、塑形，或是把一些你原本無法用樂器演奏出的想法轉化成可操作的聲響，那我覺得這就是一種可能的好用法。我非常不喜歡 Spotify 和其他串流平台利用 AI 生成歌曲，把播放清單塞滿垃圾音樂，最後只是為了減少他們需要支付給真正音樂人的版稅。如果只能給想建立長久且受尊敬的職涯的新銳製作人一個建議，你會怎麼說？Pinch：投資你身邊的社群，並確保你真的享受你選擇投入的那段旅程。不然做這一切就沒有意義了。接下來 Pinch 和 Tectonic 有什麼計畫嗎？有什麼新作品、合作或新方向讓你感到期待？Pinch：我最近又和 Neffa-T 進了錄音室，這些 session 產出了幾首非常棒的新曲。我也在和 Trim 合作新 EP 的素材，並希望在 2026 年推出一張新的專輯。我們也會發布下一輯的《Tectonic Sound》合輯，帶更多新銳有趣的製作人加入，同時持續發展同名的活動系列。最後，你是如何挑選 Carhartt WIP 電台節目的曲目？把整份混音都建立在自家廠牌作品上是什麼感覺？Pinch：最近我腦中一直在回顧整個曲庫，能夠以一種既新鮮又貼近當下的方式，把過去與現在並置分享給大家，讓我非常開心。我也特別做了一些經典曲目的 mash-up 放進去。我喜歡 Tectonic 是一個持續擴張的宇宙，所以混音的走向可能有非常多種版本，而我覺得這個版本能帶給你一個相當不錯的全貌。完整版訪問請到 https://www.carhartt-wip.com/en-fr/e/artist-feature-pinch-tectonic 了解更多Soundcloud : https://on.soundcloud.com/8Gvkp4pL4x7efn1KnC

2025-11-13

Artist Feature: Carl Craig - Planet E

在一個常由可預測性、公式化與潮流所驅動的產業裡，仍有一些藝術家拒絕被整齊歸類。他們不遵循既定規則，而是以本能的好奇心與創作直覺作為基礎前進。傳奇製作人與 DJ Carl Craig 說：「我從不帶著『我知道最後會變成什麼』的想法進入任何情境。」這句話既反映了他的工作方式，也反映了他的成功。 Craig 在底特律出生長大，於 80 年代末崛起，成為該城市電子音樂圈的重要人物之一，代表了「第二代科技舞曲創新者」。這一代承繼並延續了先鋒三人組 Belleville Three（Juan Atkins、Kevin Saunderson、Derrick May）所開啟的道路。即便在那時，實驗、即興，以及帶點友善競爭的氛圍，也共同塑造了 Craig 錘鍊技藝的方式。他回憶說：「我們會互相跑到隔壁去聽對方在做什麼。借一下鼓機、909 或合成器。你知道，那個時代的一切都是彼此交織的，不管我們是以個人身份在創作，還是以一個團體。」在 Carl Craig 長達 40 年的音樂生涯中，他已發行八張 LP 和六張 EP，獲得超過 600 項製作作品榮譽，並曾入圍格萊美獎，同時也巡迴世界各地。在此過程中，他也打造了 Detroit Love 系列，作為向滋養他成長的城市與人們致敬的一種方式。在塑造底特律音樂傳承的同時，Craig 也不斷演進自己的聲音。他以開放且多元的方式創作，透過不同的化名探索 Breakbeat、爵士、Disco 與古典等風格，其中包含 69、Paperclip People、Innerzone Orchestra 和 C2 等名義。1991 年，他成立了唱片廠牌 Planet E，不僅發行自己的作品，也推出 Kevin Saunderson、Moodymann、Kenny Larkin、Recloose 等藝術家的音樂。本月節目，我們將深入 Planet E 的音樂目錄，向這個成立超過 30 年的廠牌及其創辦人持續不墜的影響力致敬，並邀請 Carl Craig 本人製作一組特別混音。同時，我們也帶來一篇專訪，談及他如何透過 80 年代的玩具接觸電子設備、他對汽車的迷戀如何與音樂熱情交織，以及為什麼他認為 AI 輔助工具並不像大家以為的那麼新奇。你第一次意識到音樂是你的主要重心是什麼時候？ Carl Craig：我記得小時候，我不是想當賽車手，就是想當像 Electrifying Mojo 那樣的電台 DJ。大概就是那個時候我意識到這件事吧，因為這兩件事對我來說都是很重要的夢想。我一直很喜歡車子，也一直很喜歡音樂，而 Mojo 對我影響很大。我小時候睡覺前都會聽他的節目，一路聽到我開始離開底特律去旅行為止。然後當我第一次接觸到電子設備時，我就很想更直接地了解它是怎麼運作的。你第一次接觸電子設備是什麼時候？又是怎麼開始的？ Carl Craig：我第一次碰到會發出電子聲音的東西是一個振盪器。那是一個叫做 Sound Gizmo 的小玩具，好像大概 30 美元之類的。它會做出警報聲、雷射聲、飛碟聲之類的效果。我還有一個聖誕節得到的玩具，形狀像火箭筒，配耳機的。你可以用它聽到街尾別人在講話，所以我就會拿出去跟比較遠的朋友說：「來，我聽聽看我能不能聽到你講話。」那算是我第一次真正開始接觸聲音處理和合成。後來我第一次摸到真正的合成器是在我表兄 Doug 家。他有一台 Prophet-6 合成器，可以把多種聲音編在一起。那時當紅的歌曲是 Harold Faltermeyer 的〈Axel F〉，所以那也是我第一次在合成器上學會彈旋律的時間。大概是在〈Axel F〉發行的時候，也就是大約 1984 年。這些年你的錄音室配置如何變化？有沒有什麼器材是始終不可或缺的？ Carl Craig：我自己買的第一台合成器是 Prophet-600。後來回頭想，會覺得為什麼我那時沒有買 Six-Trak Prophet？但當時我就是選了 600。我沒有念音樂學院，你知道的，而且我那時也從來沒遇過價格在我能力範圍內的 Moog，比如 Moog Chroma 這類的。之後我把 Prophet 賣掉，去買 Yamaha DX11 合成器，因為那時數位合成器真的非常流行。我後來才理解，為什麼有人會把類比合成器換成數位的，因為它們的聲音真的差很多。Prophet 聲音比較細、比較野，但相較之下，它聽起來更有生命感。即便 Yamaha 是電子的，Rhodes 在當時也是一個很重要的聲響。我也想要一台可以不用進入一堆選單就能操作、能直接調整每一個聲音細節的合成器。如今，關於 AI 協作音樂工具的討論很多。你對使用它們有什麼看法？ Carl Craig：我認為，它就是一種工具，就像當年 Lindrum 是一種工具一樣。Lindrum 出現的時候有人不開心，Mini Moog 出來的時候有人不開心，Yamaha DX7 出來的時候也有人不開心。你懂的，這種爭論永遠都會存在。我只是不喜歡「所有東西都可以讓 AI 做」這種概念。我覺得音樂裡一定要有人性。使用 AI 的人都應該把人性放進去。所以這牽涉到倫理與文化層面的問題。 Carl Craig：沒錯，但問題在於，我們的耳朵只會判斷「聽起來好不好」。而對於那些根本不在乎音樂來源的人，他們也不會在乎 AI 是否參與。我講過很多年了，對許多人來說，音樂就像壁紙一樣。你在現在的 Spotify 模式就看得到。我讀到一則資料說，在中國有 40% 的人每天聽的聲音裡，主唱是 AI。我也看到 AI 最擅長做的是 trap 音樂，那幾乎跟我聽到的、看到的真正 trap 音樂無法區分。這對我來說意味著，未來音樂會變得更加商業化，因為有這些技術。很可能這些技術其實早就在大公司層級存在，只是現在才到消費者手中。在產業層面，它們早就已經在使用了。像 Delta 航空、Chrysler 這些公司，都用了 AI 很久。這些數十億規模的企業都在使用 AI。所以在我看來，Warner、EMI 這些公司就像 Chrysler、Delta Airlines、Coca Cola，它們早就在使用 AI 了。你經常在外巡演，你如何在心理和身體上保持平衡？ Carl Craig：我會盡量吃蔬菜。因為在路上最容易做到的，就是不吃健康的東西。但吃蔬菜很重要，喝水很重要，尤其是當我要連續演出五場的時候。我會確保結束後好好補充健康的食物和水分。不過，巡迴最重要的健康問題是避免剛演完某地，就遇到那個國家突然爆發戰事這種情況。當然，也有聽力的問題。我會盡量找足夠安靜的時間，讓耳朵有恢復的空間。你巡演行程中的重要元素之一是 Detroit Love 活動。當初創立它的想法是什麼？ Carl Craig：其中一部分是和朋友們一起演出。就像我們在 2011 年為 Planet E 20 週年所做的巡演一樣。但 Detroit Love 的範圍更廣，不僅是來自底特律的人，還包括那些和底特律有連結、一直支持這種音樂的人。所以現在的 Detroit Love 派對裡通常會有我、Moodymann 或 Stacy Pullen 出演。但過去也有 Moritz von Oswald、Luciano、Loco Dice 或 Mirko Loco 演出過。Planet E 今年迎來 30 週年。這讓你有什麼感受？ Carl Craig：感覺很好。Planet E 是一家小型唱片廠牌。就像你家附近的唱片行，你走進去，就會看到我在櫃檯後面。我們一直都希望能在音樂上提供最好的作品，而我非常重視這件事。這也是為什麼我現在做音樂的速度比較慢，因為我想確保我們推出的作品永遠都在最好的水準上。回頭看，你會懷念底特律早期音樂社群的哪些部分？ Carl Craig：我希望我們當時之間的情感能更緊密一些。那時候，我們會互相到對方家裡聽彼此在做什麼──借鼓機、909、或合成器。那個時候所有事情都緊密交織，不管是個人工作還是集體合作。但同時也有很多競爭。尤其是 Derrick May、Kevin Saunderson 和 Juan Atkins 之間，競爭非常激烈。我也懷念那兩種感覺：競爭，以及彼此的情誼。你最喜歡的非電子音樂專輯是什麼？ Carl Craig：這是一個有趣的問題。我喜歡很多有電子元素的音樂，但我想說 Miles Davis 的《Get Up With It》。如果你可以對年輕的 20 歲 Carl Craig 說話，第一次進入工作室時，你會說什麼？ Carl Craig：我會告訴自己接受所有錯誤，就像我已經接受的一樣。我會說保持專注，不要分心。繼續做你在做的事，因為我已經在這裡。對你在 Carhartt WIP Planet E Radio 節目有什麼規劃或期待？ Carl Craig：那會是一個非常即興的決定。我做事總是即興的，我從不走進任何情況就完全知道結果會如何。 - 所有 Carl Craig 圖片由 Katja Ruge 拍攝完整版訪問請到 https://www.carhartt-wip.com/en-gb/e/artist-feature-carl-craig-planet-e 了解更多 Soundcloud : https://on.soundcloud.com/B6p9AasZIQJ8H71Izx

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