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Label Feature: Red Lebanese

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Blog Title

2025-11-07
MIKE: Artist of the Century

 我們首次見到這位 27 歲、正快速崛起的饒舌歌手 MIKE ，是在二月底，他在紐約的公寓裡與我們坐下聊天，談論他的全新專輯《Showbiz!》以及即將展開的歐洲巡演。五週後、在完成 30 場演出之後，我們於巴黎再次碰面。這是巡演的最後一站，接著他便會回到美國，在六月前再完成另外 40 場演出。但對 MIKE 來說，不斷移動、日夜更換城市所帶來的疏離感並不陌生，他的成長道路迂迴曲折、充滿痛苦，也伴隨著堅持。或許這聽起來理所當然，但正因為這段路，他成為了現在的他。而在這個巴黎的夜晚、擠滿人群的 La Maroquinerie，他就站在我們面前。   從布朗克斯搭上 2 號線到 Penn Station，再轉乘新澤西通勤線一路前往 Trenton，接著換到 SEPTA，最後在費城 30th Street 下車。而幾個小時後，你得原路折返，重新再走一次。這既昂貴，又令人精疲力盡。而在 2010 年代中期，還只是少年的 MIKE，必須這樣往返，只為探望住在費城、與母親分居的父親。 十年後，他已成為東岸饒舌圈的關鍵人物，在那些當年只能透過巴士車窗匆匆掠過的城市裡，他如今備受敬重。但也曾有一段時間，他在如今稱頌他的地方，只覺得自己像「垃圾」。被當成英雄般對待，對他來說依然有些陌生。 「現在甚至會有什麼私人晚宴之類的，」今年二月午後，我們坐在他布魯克林的公寓裡，他突然放聲大笑說：「但說真的，以前我也有餓到不行、只能在 Penn Station 撐著的日子。」 同月，他被紐約尼克隊邀請坐在麥迪遜花園球場的場邊席，享受專車接送與 VIP 待遇。（十年前？「他們大概會直接把我摔倒在地上吧！」） 就在看球前幾個小時，他才和 The Kid Mero 錄完一集 podcast，結束一連串密集的宣傳。再往前一年，他還深陷回憶之中，努力將過去與現在串連成《Showbiz!》這張充滿靈魂韻味的專輯，在那裡，飢餓又徬徨的少年 Mike 與坐在 VIP 區的 MIKE 彼此相遇。 「這會讓我想到，人有時能覺得某些事情離自己很遠，」他說，「但其實它可能近得不得了。」   十年前，當他開始真正投入饒舌時，他只是紐約眾多心灰意冷的 MC 之一，彼此因相似的處境而連結：在一座似乎迫不及待想將你排除在外的城市裡長大。（他在 2016 年的〈mines.〉裡唱道：「我討厭賓州車站，後來才明白其實是那裡先討厭我。」）那段時間，正是東岸嘻哈重新發酵的時刻，前仆後繼的年輕面孔試圖承接前輩遺留的火炬。Ratking 帶著尖銳的意志，A$AP Mob 則宣揚浮華逃逸，而 MIKE 和他的 sLUms 團體位置更偏向其中的縫隙——帶著一種謙遜卻清晰的失望，坦率地不滿，毫不粉飾。 他的音樂冷冽、陰鬱，像是在冬夜的公車站旁寫成。他看起來帶著防備。有段時間，他連 Instagram 都設成私人帳號。你會覺得離他很遠。但同時，卻有一個暗沉沙啞的聲音，像是從虛空中傳來，用最誠實的語氣說出你聽過最真實的話。 那些歌唱的是他能吃到的微薄晚餐、他錯過的父母來電、他對自己內心深處的厭惡，以及那不是一時、不是階段性的憂鬱。我還留著第一次看到 MIKE 現場演出的錄音。我們當時在納許維爾的一間昏暗小場地，他緊閉著眼，渾身濕透的水分不知是汗、是眼淚，或兩者兼具。每次我重播那段錄音，我都會跳到兩小時那個時刻，他正要唱進〈weight of the word〉那撕心裂肺的下半段。他突然停下，台下陷入一段沉重而充滿張力的靜默。沒有人知道此刻該為這位藝術家鼓掌，還是為眼前這個人感到心疼。 我記得他的老搭檔 DJ Taka 看向他，像是在確認他還好嗎。   那就是早期 MIKE 的狀態。他身上背著某種重量，而當他在錄音中試圖梳理它時，聽起來就像是在與自己的惡魔纏鬥。他的成長帶著漂泊感，逼著他過早學會許多事，學會照顧自己。「家」這個概念一直在變動：在紐澤西五年、倫敦 Hackney 五年、在費城與父親短暫同住、之後則獨自在布朗克斯與布魯克林度過多年——這一切都發生在他 18 歲以前。將近十年的時間裡，他與住在英國的母親分隔兩地，這讓他長期陷在悲傷之中。（2017 年，他曾在倫敦進行三個月的藝術駐村，只為在母親與病痛對抗時能陪在她身旁。）2019 年，母親過世後，他的創作變成給她的祈禱，像是在向曾經透過電話交談的靈魂不停低語。他說，他的演出其實不只有一場，「還有另一場，是我和我媽之間發生的。」這種精神層面的暗流貫穿著 MIKE 陰鬱的作品，是同時被失去與自我厭惡所壓出的音樂。但多年以來，隨著作品量與技巧的成長，他的精神狀態似乎也有所轉變。到了某個時刻，大約 2021 年左右，MIKE 的聽眾必須意識到並接受，他們那個能帶來慰藉的饒舌歌手，不再深陷沉重的憂鬱之中。他在那一年《Disco!》的開場曲〈Evil Eye〉中唱道：「感謝父母讓我成長得更快，引領我穿越火焰。」那個不斷疑問世界為何對自己如此殘酷的年輕 MIKE 不見了。成長後的 MIKE 已經能為自己建立全新的世界。   這也是《Showbiz!》令人震撼之處，它呈現的世界與現實並不遙遠。這是一張具體、猛烈的專輯，生來就為震動音響、牽動身體律動、逼人眯起眼睛而存在，同時也是一位真實得近乎赤裸的傳奇人物，在翻找自身過往殘留、並與自己如今的模樣和解的作品。老聽者會在其中聽見許多線索：熟悉的饒舌節奏（例如〈Belly 1〉與〈Iz u Stupid〉的比較）、他再次取樣的聲音（比較〈The Weight〉與〈World Market〉）、或他再度打開的情緒包袱（比較〈What U Bouta Do?/A Star was Born〉與〈plz don’t cut my wings〉）。 但更重要的是，這張專輯中的「世界」並不是透過刻意構築、也不是一種為了行銷而打造的新神話。MIKE 說，舊的 Ableton 檔案、舊照片、舊記憶——這些都是「時間入口」，讓他能夠回到某個時刻，再回到現在，並心懷感激。在這個地下嘻哈更新速度極快、同時又沉迷於大量引用與再引用的時代，他的作品之所以獨特，是因為它坦然將自身作為遺跡，不害怕自我指涉，也不害怕回望自我。 《Showbiz!》並不屬於某個特定「時代」，也不是能被輕易做成情緒 Moodboard 的單一畫面。它沒有一致的主題或美學。MIKE 正踩著他過去不同階段的自己，並以現在的狀態去打磨那些曾經的想法。他仍身處其中，也接受這樣的狀態。也許，我們也能如此。 幾年前的某個夏天，Taka 曾告訴我他們共享的一個想法：「人生會上去、會下來、再上去。但你在上升的過程中要心存感謝，因為到達高處的時候感覺一定很好。但當你再次下來時，你也必須理解這是必然。」MIKE 曾有低潮，也曾有高峰。而如果《Showbiz!》展示了什麼，那便是那個已經學會理解一切的 MIKE。    在 Showbiz! 上線串流平台之前，它先在一個由 Abe El Makawy 和 Mikey Saunders 設計的網站（lostscribe.com）上獨家首播。他們同時也是印刷工作室 AINT WET 的共同創辦人。這個網站採用自動捲動的形式，專輯會在背景播放，而你則一邊往下滑、一邊瀏覽各種零散的片段——穿搭照、手寫歌詞、兒時照片、迷因、座右銘、朋友的身影，直到整個拼貼般的影像與專輯一同在頁面底部結束。MIKE 的靈感來自 1983 年靈魂歌手 J. Blackfoot 的作品 City Slicker 的封面。「那張封面是他穿著西裝站在城市前面，很普通。但城市就在他身後，滿滿的廣告和不同的景象。」他說，「對我來說，那種感覺像是：人們把他視為這一切的主角，但如果沒有那些在他背後的東西，你根本不會認出他。」MIKE 停了一下，接著想起自己高中時的故事。那是一所小小的學校，學生之間的互相支持是必要的。（「可能有七個酷的人、十個書呆子、十個運動咖……但我們彼此都很合。」）有一次全校要考基準測驗，學生們在網路上找到了答案，並把答案藏進計算機中，然後悄悄地在全班間傳遞。等到成績對答案時，所有人的答題卡都一模一樣。「他們把我們叫到大禮堂，說『我們真的很失望。』」MIKE 笑著說。「但我心裡想的是：看看我們之間建立的這種共同體啊。來自不同背景的人……你們應該為這個感到驕傲。」也許，他們會為他現在建立的共同體感到驕傲。我在二月拜訪 MIKE 時，他正準備搭上飛往歐洲的長途班機，即將展開連續數月、毫無停歇的巡演旅程。  這其實並不罕見，MIKE 表演的頻率如此之高，以至於他把專輯命名為《Showbiz!》，就是為了紀念這種表演的生活。但他同時也喜歡把人們帶入自己的世界。而在這次巡演中，他的世界似乎比以往更加寬廣、更加靈活。71 場演出，26 位開場表演者。其間包括：多才多藝的英國藝術家 Pretty V、哥本哈根歌手兼吉他手 Fine、洛杉磯實驗音樂人 Salami Rose Joe Louis、另類搖滾挑釁者 Jespfur，以及紐約詞曲創作人 Navy Blue。這些都是各自極具特色的世界，在碰撞中形成全新的、具有宣洩感的演出。然而，當我想到這些碰撞時，我腦中浮現的，是那些深夜外出的尷尬青少年，他們在被同學問起喜歡聽什麼時，會說「我什麼都聽」。我想起他們在表演間隙、浩室音樂聲中笨拙地互相交談、交換 Spotify 資料的樣子。我想起那些為 MIKE 而來的觀眾，離開時卻把 20 首 Pretty V 的歌加入了播放列表。最重要的是，我想到十年前，MIKE 還只是個飢餓的青少年，在另一個世界裡徘徊，布朗克斯、賓州車站和費城——那個世界曾經討厭他，直到他決定創造出一個屬於自己的美好世界。 當 MIKE 說「Artists of the Century（世紀藝術家）」時，他指的正是這些人：像他一樣，為自己心中的世界而奮鬥的藝術家，不論這條路多麼艱辛。「世紀藝術家，不一定關於財富、音樂、音樂的品質，或者那些東西。」他說。「我認為更重要的是能量：你把什麼帶給這個世界？一位世紀之藝的藝術家，就是那種會說：嘿，你這些年投入的努力、作為一個人四處奔波，無論是否在社群媒體上，它都有作用的人。」對於已經成功的 MIKE 來說，說這句話或許很容易。但在這位坐在球場邊的巨星身上，過往的 MIKE，那個坐在賓州車站的、作弊參加基準考試的、在 Bandcamp 上傾注心力的，都能作證。我們也能見證。 本文節選自《WIP》第 11 期，現已於 Carhartt WIP 全台門市及網路商城發售中！ Images: BORN Styling: Daniel Manene Words: Samuel Hyland
2025-10-30
OG Active Jacket 50th Anniversary Edition

 為慶祝經典 Active Jacket 誕生 50 週年，Carhartt WIP 特別推出四款紀念限定款設計。本系列象徵記憶與材質、身份與轉化，每款設計皆向首件 Active Jacket 的經典輪廓致敬。   Active Jacket 最初於美國推出，目的是為了滿足更休閒的消費者需求。它的版型靈感來自當時相當受歡迎的連帽拉鍊衛衣，並以更堅韌的外層布料與保暖內裡重新設計而成。1975 年，這款外套首次以丹寧材質問世，當時丹寧被視為休閒工裝面料，並搭配醒目的紅色法蘭絨內裡。隨後推出的帆布版本，才形成我們今日所熟知的經典樣貌。1997 年，我們推出了自己的詮釋版本——如今被稱為 OG Active Jacket，以寬鬆、略為誇張的輪廓為特色。此款外套延續了原型的精神，保留連帽飛行夾克般的剪裁、三重車線以及金色金屬配件等標誌性細節。   本次四款紀念版包含兩款帆布版本，以及丹寧與皮革款式。皆保留原版剪裁的經典細節，並具備可雙面穿著設計，每件外套上皆附有特製的紀念方形標籤。 其中兩款採用標誌性的 Dearborn Canvas 製成，一款為黑色搭配紅色內裡，呼應最初版本的設計；另一款則為 Hamilton Brown 配色，結合全新的「camo trebark」迷彩圖案。   同系列亦推出丹寧版本，以石洗工藝打造出刻意的歲月質感，呈現柔和且自然的舊化外觀。翻面後則以紅色菱格緞面車縫內裡重新演繹初代的鮮明紅色襯裡，並加入週年紀念標籤、圖像貼布與刺繡細節，增添專屬紀念意象。 皮革款則為這經典輪廓帶來更精緻的詮釋，以細膩質感銜接過去與當下；翻面部分則採用 Hamilton Brown 配色的 Dearborn Canvas，延續品牌最具代表性的工裝元素。   Active Jacket 的歷史，正如 Carhartt WIP 的發展軌跡——品牌始終以實用工裝為核心，卻被跨越分類、風格多元的群體所穿著與詮釋。   50 年後的今日，Active Jacket 依舊活躍於文化場景中，無論是在音樂、滑板、電影或各式次文化語境裡，都自然融入、毫不違和。儘管時代不斷變遷，這件外套的樣貌幾乎未曾改變，卻隨著新一代的詮釋與記憶，不斷延展出新的意義。作為真實與多樣性的象徵，Active Jacket 的存在感依然鮮明，並將隨時間推移繼續書寫屬於自己的篇章。 OG Active Jacket 50 週年紀念系列將於 10 月 30 日於台北旗艦店、台中旗艦店及網路商城正式發售。  Photographer: Aidan Zamiri Stylist: Hamish Wirgman Hair Stylist: Shunsuke Meguro Make Up Artist: Ana Takahashi Set Designer: Julia Dias Models: Floki, Sarah, Dean & Raffy Casting: GoodCatch Production: Object & Animal
2025-10-23
Carhartt WIP x Nicholas Daley

 今年秋冬，Carhartt WIP 與時裝設計師 Nicholas Daley 攜手合作，共同打造多款聯名單品。本次聯名系列建基於雙方對音樂、及周邊文化的共同熱愛， 英國設計師 Nicholas Daley 更藉此向其父母 Maureen 及 Jeffrey Daley 所創立的「雷鬼俱樂部之夜」致敬。  該活動於 1972 年在愛丁堡創立，並於十年間遍及蘇格蘭各地，成為當時黑人音樂與社群文化的重要據點。此次合作中，Nicholas Daley 以獨到視角回望這段歷史，將社區精神、工藝傳承與其牙買加—蘇格蘭文化背景融入設計，延續他一貫結合功能性工裝與文化敘事的風格，同時呼應 Carhartt WIP 長年與 DJ、音樂人及夜店文化的深厚連結。   Daley 以結合功能性、工裝版型與獨特的工藝感而聞名，其設計加入了他對次文化的敏鋭觸覺以及與音樂的深厚連結，使他的作品自然與 Carhartt WIP 產生共鳴，也再次印證 Carhartt WIP 在全球 DJ、音樂人和夜店文化愛好者中的衣櫥常駐的地位。本系列不乏對音樂文化的致敬，例如靈感來自父母「雷鬼俱樂部之夜」的客製別針徽章和 T-Shirt，以及其母親組織共同創作的客製化格紋唱片包，展現了 Daley 對家庭、傳統工藝與音樂文化的致敬。經典的 Harrington-style Jacket 採用魚骨斜紋布結合撞色燈芯絨口袋，並以鮮明的藍、綠、芥末黃配色致敬牙買加與蘇格蘭的聖安德魯十字旗。  經典 Chore Coat 以海軍藍燈芯絨和藍色牛仔布的混搭拼接。設計運用了撞色車縫線，強調 Daley 對細節與版型的細膩調整。系列中的其他單品，包括工裝背心、Double Knee Pant 及 Cargo Pant 等，也汲取了相似的設計靈感。此外，本次還推出以針織材質為主軸的單品，例如胸前帶有口袋的客製條紋 T-Shirt，以及以燈芯絨和撞色車縫線為主的連帽衛衣等。該系列還包含了兩款帽子: 一款針織條紋漁夫帽，以及 Daley 標誌性的 Baker Boy 帽子，採用重磅帆布製成，隨著時間布料會變得柔軟，並產生不同色澤效果。   本系列聯名商品都採用雙方聯乘的品牌標籤; 由他 Daley 本人手繪，參考了 70 年代迷幻風黑膠唱片上的字體，突顯了他對本次合作上的每個元素的關注和個人風格的展現。   本次形象影片由 Bolade Banjo 拍攝並執導，Stephen Mann 擔任造型師，並邀請了南倫敦音樂人 Wu-Lu 和 Mia Koden，以及美國說唱歌手 Pink Siifu 參與演出。 取景於當地歷史據點 Peckham Liberal Club，展現本系列的文化底蘊與音樂精神。   Carhartt WIP x Nicholas Daley 聯名系列於10月24日在台北旗艦店及網路商城正式發售。  Director: Bolade Banjo DOP: Marti Guiver Styling: Stephen Mann Glam: Nathaniel Bury + Charlie Murray Models / Artists: Mia Koden, Pink Siifu, Wu-Lu Band of Wu-Lu: Jaega, Jordan, Tag, Blake Production: Gildon Sound: Mia Koden, Pink Siifu, Wu-Lu Mixing: Konstantin Grismann
2025-10-17
Label Feature: SPE:C

 本月的節目邀請到來自柏林的製作人、DJ 以及唱片廠牌創辦人 Darwin。Darwin 來自加拿大艾德蒙頓，2007 年為了追求對音樂的熱愛而搬到歐洲，最初落腳倫敦，之後定居柏林，至今已在當地生活十五年。 Darwin 最初在柏林的夜店中磨練技巧，從 Panorama Bar 的舞池常客，逐漸走上 DJ 台，並於 2014 年在現已歇業的夜店 Griessmühle 展開她的第一個駐場演出。2015 年，她創立唱片廠牌 SPE:C，致力於推廣英式低音與融合風格的俱樂部音樂，為新銳音樂人提供舞台。隔年，她又成立了專注於低音音樂的副廠牌 REEF。 為慶祝 SPE:C 成立十週年，Darwin 特別為本月節目打造了一支混音作品，精選呈現廠牌歷年最具代表性的發行──包含過去、現在與尚未公開的曲目。節目同時收錄與 Darwin 的專訪，她分享了自己對「充滿生命力的聲音」的熱愛、柏林如何影響廠牌的發展方向，以及在創作旅程中，如何知道該結束一個篇章、開啟新的篇章。  你的唱片廠牌 SPE:C 於 2015 年在柏林成立，作為一個聚焦於融合英式低音音樂元素的發行平台。回顧這一路走來的歷程，你覺得這個廠牌始終不變的核心精神是什麼？ Darwin：SPE:C 一直以來的宗旨都是為新銳、鮮為人知的音樂人提供舞台。對我來說，發掘那些可能原本沒有機會被聽見的創作者，並幫助他們把作品推向世界，是最讓我感到興奮的事。在成為全職音樂人之前，我在音樂產業中歷經許多不同角色，這讓我有能力協助他們理清方向、放大願景。而 SPE:C 的另一個鮮明特色，則是貫穿始終的科幻氛圍與低頻美學。在過去十年中，SPE:C 的聲音走向——特別是結合英式低音與 Techno 的部分，經歷了哪些變化？例如早期 Decka 或 Edeka 的作品，與近期的混音合輯相比。 Darwin：我的音樂品味一直在變化，SPE:C 很直接地反映了每個階段令我著迷的聲音。2015 年創立廠牌時，我是柏林 Griessmühle 的常駐 DJ，那時我主要播放 Techno，並嘗試將低音元素融入其中。早期 Decka 的發行，就完美呈現了我當時在舞池裡實驗的那種混合聲響。選曲的方式其實很自然——有人寄作品給我，如果我會反覆播放、甚至放進我的 set 裡，那它就會成為 SPE:C 的下一張發行。說到底，SPE:C 的核心就是為夜店而生的音樂，這一點始終沒變。在策劃 SPE:C 的發行時，有沒有一些你反覆被吸引的主題、氛圍或美學？ Darwin：當然。我覺得不論類型，我的聲音取向都相當鮮明。我特別被那種情緒濃厚、濕潤黏稠、帶有張力的低音音樂吸引。那種讓人覺得迷幻、充滿生命力、甚至略帶歡愉的聲響。科幻感的質地、異星氛圍、自然界的痕跡，或是詭異的人聲元素，這些都是我特別著迷的部分。我也喜歡那些能突破類型邊界的創意，把熟悉的音樂語彙推往新的方向，帶來嶄新的聆聽視角。   無論早期或近期，有哪些發行作品最能代表 SPE:C 的精神？為什麼？ Darwin： Decka – Begyndelsen [SPE:C 015 01] —— 這張作品是我創立 SPE:C 的契機。當初聽到這份 demo 的瞬間，我腦海中就浮現出整個廠牌的構想與方向。 Carré – Tilted [SPE:C 015 14] —— 和 Carré 的相遇真的很有緣分。她不僅深深啟發了我，也成為我很好的朋友。她對 dubstep 的詮釋細膩而夢幻，為這個一向偏「陽剛」的風格注入柔和的女性氣質。多年來，看著她與 Decka 一起成長、逐漸被更多人看見，讓我真的有點像個驕傲的媽媽（笑）。 SIM – Sulum [SPE:C 015 15] —— 如果要說什麼是「外星音樂」，那就是這首。聽 SIM 的作品時，我會彷彿置身於一座反烏托邦城市，在一場由外星人主宰的派對中迷路。那種感覺就像是在平行宇宙裡，dembow 風格以另一種方式進化而成。沒有比這更能代表 SPE:C 的聲音了。有沒有哪幾位藝術家成為 SPE:C 的核心？或者近期有讓你特別驚喜的新面孔？ Darwin：其實每一位曾為 SPE:C 發聲的藝術家，都是這個宇宙的一部分，他們都在形塑這個廠牌的樣貌。我不會偏愛任何人。談到《SPE:C Remixed》合輯，當初重新詮釋過往作品的概念是怎麼來的？ Darwin：一開始我從不讓廠牌作品出混音版，因為我不想分散原創者的焦點。不過後來覺得，趁著周年時推出混音合輯，讓新聽眾能以不同角度認識早期作品，也是件有趣的事。說實話，整個過程真的超級耗心力，我發誓這輩子不會再做混音企劃了（笑）。    有哪些特別的發行、黑膠版本或合作企劃是為了廠牌週年所規劃的？ Darwin：我們剛在 9 月 25 日推出了一款限量版的鐫刻 USB dubstick，內含 11 首 dub（僅限量 100 組），同時附有由 Reza Hasni 設計的夜光樹脂 SPE:C 鑰匙圈。十週年對獨立廠牌而言是個重要的里程碑。回顧這十年的經歷，有什麼特別的感觸嗎？ Darwin：最近我其實有好幾個週年要慶祝。今年是 SPE:C 的十週年，明年則是 REEF 的十週年。能讓這兩個廠牌延續這麼久，我覺得真的很美好。當然，也有過低潮的時候，有段時間我甚至想乾脆放棄，大約在 2020 年左右我就暫停了 SPE:C 兩年。但我總是不斷成長變化，今年又重新全力投入。往後看，我打算在 2026 年讓 SPE:C 稍微降速，把重心放到即將於今年 11 月推出的新廠牌 Biofield Records 上。這幾年我的想法轉變很多，也更加確信自己喜歡「結束一個章節，再開啟下一個」的節奏。柏林這座城市不論是它的夜店文化、藝術網絡或環境，對 SPE:C 的發展有什麼影響？ Darwin：這週剛好是我搬到柏林滿 15 年的日子，時間真的過得好快！這座城市在音樂上給了我一切。當年我搬來這裡的時候，甚至從沒親自來過，只是有一種很強烈的直覺覺得「我該在這裡」。這些年我融入了各種不同的音樂場景，而它們全都在某種程度上形塑了我、影響了我所做的每一個企劃。柏林那種小眾又大膽實驗的精神總能不斷啟發我，像 Atonal 這類音樂節對我來說簡直就是能量來源。我非常感激能成為這個龐大而緊密的社群一員，這裡充滿了彼此啟發、交流想法的創作者。若不是在這裡，我的任何計畫都不可能誕生。  完整版訪問請到 https://www.carhartt-wip.com/en-de/e/label-feature-spe-c 了解更多 Soundcloud : https://soundcloud.com/carharttwip/carhartt-wip-radio-october-2025   
2025-10-08
In the Hearts of Many by Sly Morikawa

  Sly Morikawa 在作品中探索對比與二元性，於細膩親密的片刻與沉靜從容的氛圍間取得平衡，這樣的特質也映射在 Carhartt WIP 2025 秋冬系列之中。  雪梨的自然海岸線與城市街景成為背景，襯托出本系列多元的質地與色彩。經過石洗處理的丹寧單品，如女款 Single Knee Skirt，呈現出柔和且帶有歲月感的質地，而燈芯絨層次則增添了觸感上的厚度。與此形成對比的是俐落的塗層帆布單品，例如女款 Dean Michigan Jacket。至於 Toronto Jacket，則將厚實填充的內裡與平滑俐落的外層結合在一起，展現另一種雙重性。   此外，Stanton Jacket 與女款 OG Double Knee Pant 則呈現低調的色調中點綴著鮮明的紅色，大地色調的迷彩則與多彩的格紋與條紋相互呼應。   攝影師 Sly Morikawa 於雪梨與東京之間生活與創作。她的影像不斷探問親密與渴望，並從人類經驗的二元性中取材——光與暗、寧靜與混沌、美感與張力。  Photographer: Sly Morikawa Styling: Marisa Suen HMUA: Alana Lucky Models: Cat, Jan, Nathan, and Mia Production: Stone Street Agency
2025-09-11
Artist Feature: DJ Holographic

「我把音樂視為靈魂的建築，」DJ Holographic 說道。 「我希望我的作品能帶來療癒，或成為人們梳理內心聲音的一種方式。」 來自底特律的 Holographic，被譽為「一人放克機器」。 她的演出融合 House、Disco、R&B 等風格，並注入 Techno 與家鄉獨有的 Motown 元素。這樣的背景，讓她成為底特律地下 LGBTQ+ 夜店場景的領軍人物。雖然她的音樂延續了熟悉的曲風，但在她手中卻被重構為一種全新的體驗——「我想透過聲音搭建出一個空間，讓人們能感受到安全、自由與連結，」她解釋道。也因此，她的能量足以掌控倫敦 Fabric 和柏林 Berghain 等全球知名舞池。 2020 年，Holographic 透過個人廠牌 Hitchhiker 發行了首張 EP《Parallel Shifting》。這個名字蘊含著「旅程」的意涵，就像她的藝名 Holographic，靈感來自《星際爭霸戰》——象徵她希望帶領聽眾穿梭於新的聲音與精神世界。同時，也延續了底特律音樂一貫的探索精神：太空與未知，始終是許多電子音樂先驅的靈感來源。 2021 年，她受傳奇人物 Carl Craig 邀請，策劃並混音了《Detroit Love Vol. 5》，其中更收錄了她的原創作品〈Faith in My Cup〉。 2025 年，她再度展開新嘗試，成立廠牌 Through the Veil，並展開一個別具野心的計畫：連續十二個月，每月發表一首獻給不同星座的作品。這是她在面對個人失落時，用音樂尋找療癒的過程。最終，這些單曲匯集成專輯《House In The Dark》，象徵她將痛苦轉化為創造力的完整旅程。 在本月 Carhartt WIP Radio，我們與 Holographic 深入對談，聊到她的音樂之路、如何承接底特律厚重的音樂傳承，以及為什麼她認為自己有責任不斷突破與前行。  你能帶我們回到你最早的音樂記憶嗎？是什麼讓你開始對 DJ 和音樂製作產生興趣？ DJ Holographic：我最早的音樂記憶，大概是和家人一起坐在車上聽收音機。當時底特律的電台非常多元，主持人和 DJ 總是在教我們新的音樂。音樂無所不在，不只是存在於家裡，還在街道上、在整個文化中。那並不是單純聆聽，而是一種你活在其中的狀態。老實說，DJ 對我而言再自然不過，甚至在還沒真正碰觸唱盤之前，我就已經在做類似的事了——我會幫朋友燒錄 CD，也會錄下電台的混音，自己製作 Mixtape。底特律在塑造你的音樂身份上扮演了什麼角色？ DJ Holographic：底特律塑造了我的一切，不只是作為一個藝術家，更是作為一個人。底特律是一個非常靈性的地方，我覺得自己始終與創造的神聖能量相連。從 Motown 到 Funk，從 Gospel 到 Hip-Hop，從 Techno 到 House，甚至 Punk 與 Rock，這座城市就像是一座充滿節奏與韌性的靈性圖書館。底特律教會我，音樂不只是娛樂——它是愛，是敘事，是解放，更是治癒靈魂的方式。看到這座城市如何在壓力下不斷創新，人們即使資源有限，仍持續創造快樂與社群，這給了我工作上的毅力與內心的火焰。我的演出永遠帶有底特律的能量——靈魂感卻不失強烈，粗獷卻仍帶有神聖。即使我在柏林、東京，或是世界上的任何地方演出，我依然帶著那股底特律的脈動。你在心理與音樂上，是如何準備一場長時間的 DJ 演出？ DJ Holographic：對我來說，準備的第一步是在碰觸音樂或唱盤之前，先讓自己在心理上安定下來。巡演生活常常充滿混亂，但我有一些小小的儀式——冥想、寫日記、占卜塔羅。這些提醒我為什麼在這裡：保持專注，並用愛去面對每一個人。至於音樂，我會精心整理曲庫，但保留彈性。我不會帶著僵硬的計畫去演出，而是希望能隨著現場觀眾的能量去流動。不過，我也會準備一些「錨點」——那些能呼應季節能量的曲目。每個星座時期都有不同的氛圍，而我常常會圍繞著這些氛圍組織歌單。在馬拉松式的演出前，我還會特地聽一些經典作品，提醒自己當初為什麼愛上這種音樂。這樣，當我踏進 DJ 台時，我不只是個 DJ——而是全然地在場，能量飽滿，準備好引領整晚直到日出。對我來說，準備既是精神上的，也是實際的。  底特律的音樂傳承從 Motown 到 Techno，你覺得這兩者之間有什麼連結或對話？ DJ Holographic：在我看來，底特律的音樂傳承其實非常龐大，甚至遠超過人們所認識的範圍。龐克有 A Band Called Death，搖滾有 Alice Cooper，爵士有 The Blue Bird。但 Motown 和 Techno 的不同之處在於，它們其實是同一本書裡的不同章節。Motown 帶給世界的是靈魂與旋律，是能夠療癒與凝聚的聲音；而 Techno 則帶給世界節奏與未來感，透過機器去想像新的世界。兩者的連結就是底特律——一座從不停止創新的城市。無論是 Motown 還是 Techno，它們的誕生都源於一種想要超越限制的渴望，將掙扎轉化成聲音。當我演出時，我覺得自己正在搭起這兩個世界的橋樑——帶著 Motown 的敘事與靈魂，同時也承載 Techno 的急迫感與前進驅動力。它們不是分開的，而是同一幅底特律織錦上的不同線索。你是如何在懷舊與推動 House/Techno 前進之間找到平衡？ DJ Holographic：在懷舊與創新之間找到平衡，靠的是尊重與願景。我尊重根源，深入挖掘檔案、播放經典、致敬那些讓我能站在肩膀上的先驅們。但同時，我也覺得自己有責任不斷推進，不讓這種音樂停留在時間裡。因此，我會支持新的製作人，勇於嘗試不同的聲音，並在我的演出與創作中冒險。這是一個既能慶祝歷史，又能同時想像未來的空間。當你在錄音室創作音樂時，你的願景是什麼？ DJ Holographic：在錄音室裡，我的願景是去創造一個個世界。我把音樂視為靈魂的建築，用聲音搭建起人們能夠感到安全、獲得解放、彼此連結的空間。我希望我的音軌能帶來療癒，或是一種讓人能夠理解自己靈魂訊息的方式。最終，我的願景就是創造能療癒、能轉化的音樂，就像音樂一生以來對我所做的那樣。  你是如何在音樂中延續底特律的傳承？ DJ Holographic：延續底特律的傳承對我來說既是一種榮幸，也是一份責任。我選擇用真誠去實踐，絕不淡化自己的聲音。我在演出與創作中，把靈魂樂、放克、福音以及浩室音樂交織在一起，既向過去致敬，也能與當下對話。同時，我也把它看作是一種延續「韌性」的精神，向世界展示底特律藝術家在這個全球舞台上，始終是創新者、領導者與療癒者。對我來說，這不是模仿前人，而是讓那份精神活在我自己的聲音與故事裡。有沒有一個瞬間，讓你意識到音樂不只是熱情，而是你真正的道路？ DJ Holographic：在我二十幾歲的時候，我決定重返大學修音樂理論課，去學習如何創作音樂。我甚至去上了聲音工程的課，原本打算靠幫樂團做音響來賺點外快，同時摸索音樂創作，這就是我當時想要追求的生活。不過，真正讓我確信音樂就是我道路的時刻，是當教授告訴我，我在音樂產業裡永遠賺不到錢、不會成功，還說我去教書可能比較實際。我當下非常震驚，也有點氣憤。因為在那之後，我腦中不斷浮現的想法是：「我是來自底特律的人，音樂當然在我的 DNA 裡，我一定會在音樂上成功，這就是命中注定的。」展望未來幾年，你最期待創造或實現的是什麼？ DJ Holographic：我最期待的是能透過音樂創造更多故事與敘事，讓這些東西能一代一代傳承下去。對我來說，音樂的核心就是「說故事」——把你感受到的東西傳達給世界，並把人們帶進你的宇宙。我希望這樣能讓更多志同道合的靈魂聚在一起，因為這個世界已經斷裂太久了。  你演過最奇特或最難忘的演出是哪一場？ DJ Holographic：跟 Moodymann 和 Carl Craig 在日本巡演！  完整版訪問請到 https://www.carhartt-wip.com/en-gb/e/artist-feature-dj-holographic 了解更多 Soundcloud : https://soundcloud.com/carharttwip/carhartt-wip-radio-september-2025   
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